El mural como puente hacia una comunidad académica más inclusiva y conectada

Por Érika Henchoz

“El abrazo como origen e integración de los saberes”, o simplemente El abrazo, irrumpe ahora en el paisaje cotidiano de la Universidad de Costa Rica. Instalado en el edificio del Sistema de Estudios de Posgrado (SEP), el mural no solo ocupa un espacio: lo transforma. 

No es una obra que se limite a ser observada. Se deja sentir. Convoca. Detiene el paso apresurado y abre un paréntesis en la rutina universitaria para invitar al encuentro, a la contemplación y a una forma más íntima de reflexión. 

Más que un mural, El abrazo es un gesto. Un gesto amplio, sostenido en el tiempo, que convierte el entorno en un punto de convergencia. Allí, quienes transitan —estudiantes, docentes, visitantes— pueden reconocerse como parte de una misma trama, un tejido invisible que se construye con saberes, vínculos y experiencias compartidas. 

Su creador, Pablo Bonilla Elizondo, docente de la Escuela de Artes Plásticas de la Facultad de Artes de la UCR, lo define como “una obra cargada de simbolismo y vocación colectiva”. En esa definición late una idea fundamental del arte público contemporáneo: la de un arte que deja de pertenecer exclusivamente a los especialistas para abrirse al diálogo con la comunidad, donde cada mirada encuentra su propio significado. 

En palabras del artista, el mural propone comprender el conocimiento como “un proceso profundamente humano, tejido a partir de vínculos, afectos y trabajo conjunto”. Así, la obra desplaza la noción del saber como acumulación individual y la convierte en una construcción viva, relacional, en constante transformación. 

Bonilla Elizondo no solo pinta: piensa el arte como una forma de narrar lo colectivo. Su obra transita entre lo visual y lo poético, entre la forma y la memoria. En sus murales —inscritos en superficies que pertenecen a todos— hay una voluntad de diálogo con la ciudad, con sus historias y con las múltiples identidades que la habitan. Su trabajo puede leerse, entonces, como una cartografía sensible de lo común. 

Un abrazo con significado 

El gesto que articula la composición no es únicamente afectivo. Es también estructural. El abrazo aparece como una metáfora de la interdependencia que sostiene la investigación, la academia y la vida universitaria. Es un recordatorio de que ningún proceso de conocimiento es completamente solitario. 

En ese sentido, la obra invita a reconocerse desde la empatía, desde los afectos y desde la necesidad de afrontar colectivamente los desafíos de una realidad cada vez más compleja. 

El proyecto nace por iniciativa de la exdecana del SEP, la Dra. Flor Jiménez Segura, quien impulsó su desarrollo como parte de una visión institucional orientada a fortalecer los vínculos dentro de la comunidad académica. El diseño, concebido de manera colaborativa, se integró tanto a la misión del SEP como a las condiciones materiales del espacio, dialogando incluso con elementos preexistentes en la infraestructura. 

Desde el punto de vista estético, los personajes se despliegan bajo una lógica monocromática que concentra la atención en el gesto central. El abrazo se vuelve así el núcleo visual y simbólico de la obra. Sus expresiones, abiertas y luminosas, reivindican el aprendizaje como un proceso que, aun siendo exigente, puede estar atravesado por la alegría, el disfrute y la complicidad. 

De este modo, El abrazo desafía imaginarios tradicionales que asocian los estudios de posgrado con el sacrificio solitario, la tensión o el aislamiento, y propone, en cambio, una visión más humana, integral y esperanzadora. 

La materialidad también habla. Para su realización, Bonilla Elizondo trabajó junto a los artistas Orlando Güier y César Ulate, integrando cerámica, azulejo industrial y pintura acrílica. Los materiales no solo aseguran durabilidad, sino que aportan textura, relieve y profundidad, ampliando la experiencia visual hacia lo táctil, casi como si la obra pudiera sentirse con la mirada. 

El mural y su diálogo con la comunidad 

Toda obra de arte público se completa en la mirada de quienes la habitan. Su significado no es fijo: se construye en la interacción cotidiana con el espacio y las personas. 

En esa línea, El abrazo no impone un discurso cerrado. Se ofrece como un territorio simbólico abierto, accesible, generoso. Su diseño conversa con la arquitectura del edificio y con los ritmos de la vida universitaria, invitando tanto a la interpretación personal como a la reflexión colectiva. 

Esta perspectiva responde a una concepción del arte público con responsabilidad social: una práctica que no gira en torno al ego del creador, sino que busca establecer relaciones horizontales con su entorno, basadas en la empatía, la escucha y el reconocimiento de lo común. 

Formación superior pública para pensar y convivir 

En tiempos en que las universidades enfrentan tensiones diversas —internas y externas—, la obra plantea una pregunta silenciosa pero urgente: ¿cómo queremos habitar estos espacios? 

El abrazo sugiere una respuesta posible. Invita a imaginar la universidad como un territorio de encuentro, de generosidad y de alegría. Un lugar donde el interés público prevalezca sobre lo individual y donde el conocimiento se construya desde la diversidad, el respeto y la convivencia. 

Desde esa mirada, el mural se proyecta como algo más que una intervención artística: es un aporte a la construcción de una comunidad académica más cohesionada, plural y profundamente humana. 

Un detalle final, sutil pero elocuente, completa la composición: las flores. Cada una con un color distinto, evocan las diversas áreas del conocimiento que conviven dentro de la universidad. En su conjunto, refuerzan la idea central de la obra: que la riqueza del saber no surge de la uniformidad, sino de la capacidad de integrar múltiples perspectivas en un mismo gesto. 

En El abrazo, el arte deja de ser solo contemplación. Se vuelve experiencia, vínculo y lenguaje compartido. Se habita. Se interpreta. Y, sobre todo, se comparte.  

https://www.ucr.ac.cr/noticias/2026/4/24/el-mural-como-puente-hacia-una-comunidad-academica-mas-inclusiva-y-conectada.html

Medallón de CALUFA, por Antidio Cabal

Este siete de mayo que acaba de pasar murió Carlos Luis Fallas, el autor de Mamita Yunai, de Gentes y Gentecillas, de Marcos Ramírez (Aventuras de un muchacho) y de Mi Madrina. Es poco decir, no obstante, decir que era novelista traducido a diez o doce idiomas, que era costarricense y que era comunista. Poco decir. Todas esas cualidades juntas no valían lo que él valía como hombre. Los usaba como adjetivos que llevó a la perfección como tres trajes humanos siempre nuevos. No se podría afirmar de él que era novelista y hombre, costarricense y hombre, comunista y hombre. Como en la definición de triángulo, en que los lados se cortan dos a dos para dar la razón de verdad de la figura, en el se cortaban dos a dos el novelista y el costarricense, el costarricense y el comunista y el comunista y el novelista para formar al hombre. Era un hombre lo más parecido a un hombre.

Campesino de los Llanos de Alajuela, ni las ciudades, ni los viajes, ni las novelas ni los trabajos políticos e intelectuales de dirección de su Partido esfumaron en él le llamaron rústico, el rostro de tierra, el cuerpo de tuca, la palabra piedra pómez. Tenía algo también de costa, de acantilado, de cetáceo, porque su país es muy estrecho, pugnado por dos océanos. 

Lo conocí hace muchos años y entendí cuando lo conocí su radiante celebridad, punta visible de una sencillez áspera. Era un manojo de hombres ese hombre, y todos se le notaban. El peón, el zapatero, el tractorista. Sobre su inconcluso segundo año de bachillerato había construido un mundo humano que empezaba en la tierra y terminaba en la conciencia. Estábamos persuadidos de que era de verdad. Por eso era amado, popular como un partido de fútbol. Su casa lo mismo que si casa podía ser la plaza de cualquiera de las ciudades de Costa Rica, o un restaurante o la calle. Era amado diariamente, estaba clasificado por el amor de su pueblo. 

Sería pueril creer que el cariño que despertaba entre los costarricenses se originaba nada más en el hecho de la extraordinaria difusión de su obra literaria en el ámbito internacional. Era algo más hondo y también más vasto. Carlos Luis reproducía de un lado lo costarricense neto, en una democracia rural su validez de campesino, su contacto espontáneo con quienquiera y el don que tenía de contener como representadas y siempre evidentes humanas de su pueblo. Como hombre mostraba claridad en la calidad y sus actos revelaban que creía. Su firma -la firma de un hombre sin dinero, de un hombre comunista, de un hombre que fue acusado una vez de ladrón de cosas más tentadoras, como la sangre, el dinero, la palabra - fue considerada como una garantía más que suficiente por un gran negocio hotelero en resguardo de una deuda difìcil que él no había contraído ni originado. Su firma era tan nacional que lo conocían los futbolistas, no así como si fuera un nombre que resuena lejanamente en periódicos, sino en detalle, como la marca de un cigarrillo, Calufa, que vive en Alajuela. El poderoso epíteto que en lo polìtico lo definía no se malversaba en estas apreciaciones cotidianas y decisivas del trato, del saludo. Yo quisiera saber cuántos costarricenses ignoraban que vivía en el barrio La Agonía, que había trabajado como peón de la Bananera. Era un retrato de todos. Una imagen colectiva. En el amor popular había encontrado su objeto sentimental. Costa Rica no tenía su ídolo en un cantante de boleros, en un futbolista, sino en un costarricense que estaba presente en todos de una manera positiva. No era afecto coronado por la red de radio y televisión y por sonido callejero. Se trataba de un afecto excepcional y silencioso, el mismo que dispensamos a los objetos entrañables que son nuestros. 

Conocí a Calufa, si mal no recuerdo, en 1950.  Estaba en la esquina del cine Raventós, en el parque Central de San José. Yo andaba acompañado de un amigo reciente, vendedor de productos textiles. Movió el índice. Ese que está parado en la esquina, de sombrero, es Calufa. 

El episodio, entendido y ampliado en su diamante, registra el concepto que las gentes de su tierra se habían formado de él. Era un concepto de amor muy grande, un homenaje que todos los días recibía Carlos Luis Fallas como una gimnasia nacional del corazón. Hubo excepciones inexplicables, o demasiado explicables. Personas de tinta y papel no quisieron otorgarle al más grande escritor de Costa Rica, poco antes de una muerte de inevitabilidad no se dudaba, el premio nacional de literatura, se lo hicieron compartir, como para enterarlo, de que, aun cuando célebre y distinguido por su pueblo, le faltaba cumplir un requisito. La reacción de su patria ante el fallo fue, a cambio, un homenaje más selecto que el premio. Luego, el gran premio nacional se le dio desde el día de su muerte hasta la hora de su entierro: sus enemigos políticos y sus enemigos de guerra, aquellos contra los que peleó en la Asamblea Legislativa, en los campos electorales, en los periódicos, en los mitines y con el fusil en la revolución de 1948, le montaron guardia de honor y lo acompañaron al cementerio. Los hombres de armas que le fueron contrarios reconocían que como soldado nunca dejó de ser hombre, y esto, en un país ha repudiado históricamente el ejército, prohibiéndolo, es un mérito que no se discute. Él fue el héroe de dos bandos que no supieron evitar ser meramente soldados.

Desde sus tiempos de zanja, agua y pala leía mucho, las grandes novelas, en los campamentos de los trabajadores. Los trabajadores salían del barro a dormir, echados por el cansancio. Él, aligerado por la vocación, seducido, leía un par de horas o hasta tocar la medianoche. Esto lo salvó definitivamente, de que la zoología cotidiana impuesta por un trabajo terrible le impidiese ser hombre. Nacer hombre no basta para ser hombre, esto sí que lo supo a tiempo, pero no de pronto, ni desde el comienzo. Ello es lo cierto que un buen día, como se dice, y él me lo ha contado estaría en sus veintidós o veintitrés años cuando midió en toda su cuenta lo que significaba ser peón, palero, notó su brutalización, la de otros. No es que pensara que aquello no era vida, sino que aquello no debía ocurrirle a nadie. Ron, enfermedades, heridas, leyes cortas, tiempo sucio y la locura miserable de una juventud clínica, y de ua peor moneda posterior. Acabaría a cuatro patas, y con otra cabeza. 

No se le hizo tarde en determinar. Entendió lo que debía entender y avanzó entonces a pie de su razón. El mundo había que medirlo, anotarlo y tomarlo, desde fuera de la zanja. Fuera de la zanja es donde estaba el mundo. Ya nunca dio media vuelta, marchó a fondo, Fue leal a todas las zanjas. Se convirtió en un luchador sin manchas intelectuales, su razón tenía una sola superficie, y aquí su voluntad y su inteligencia tuvieron su imaginación y su libertad. porque manejó primero la pala que la pluma no se contaminó de metafísica y ajetreos líricos como tesis y espasmos acera de lo que tanto interesa, la verdad del hombre. La irracionalidad para él equivalía a inmoralidad, si le era planteada como método o arte. No se pronunció en vano. Se sometió a pruebas. Darío, Donde debía sonar el ritmo de Darío, no sonaba, superpuesto como estaba el ritmo de su antigua pala, y donde la idea de Darío significaba viejos servicios, patrimonios desacostumbrados. ¿Qué era aquello, aquellos predicados evadidos del hombre natal? Pensaba que hacía falta una nueva civilización engrandecida por las categorías del hombre sin demiurgos. Otra civilización para la poesía. O sea, donde el poeta no se atuviera tanto a su imaginación y fantasía, infladas por espiritualismos y adocenamiento de valores y degollación de la vida, y se situase en la fantasía y en la imaginación mucho más rica de la realidad, la fuerte realidad, que tiene todos los colores, todos los gustos, todas las posibilidades, todas las intenciones y el espíritu. Yo también he pensado con bastante frecuencia que si el lenguaje es para con uno mismo, entonces no es lenguaje, sino una oración, y uno, una mónada.

       Tenía razón. Esto me queda. 

“Medallón de Calufa”, Antidio Cabal. Cultura Universitaria, Universidad Central de Venezuela, n.º XCI (abril-junio de 1966), pp. 51–54.  

      

    

Bárbara Montero Siegele: la energía libre de las “Wildflowers”

 

En mayo de 2019, la artista costarricense Bárbara Montero Siegele presentó la exposición “Wildflower: A Collection of Western & Native Art” en la María Carlisle Art Gallery, un espacio dedicado a la difusión del arte contemporáneo en San José. Aquella muestra permitió descubrir con mayor claridad el universo creativo de una artista singular, cuya obra combina influencias culturales, sensibilidad narrativa y una profunda libertad expresiva.

Montero Siegele es una creadora que despierta admiración por la amplitud de sus talentos. Desde muy joven ha trabajado con diversas técnicas pictóricas —óleo, acuarela y acrílico—, explorando simultáneamente otros materiales como el cuero, el vidrio o la arcilla. Su trabajo no se limita a una sola disciplina: su creatividad fluye entre lenguajes visuales, artesanales y literarios.

Oriunda de Cartago, Bárbara creció entre dos mundos culturales. Hija de padre costarricense y madre estadounidense, su imaginario artístico se encuentra profundamente influenciado por el simbolismo y la estética del Viejo Oeste norteamericano. Esa herencia cultural, lejos de fragmentar su identidad, se convierte en una fuente fértil de inspiración que atraviesa su obra con paisajes, personajes y atmósferas cargadas de historia.

Además de pintora y artista visual, Montero Siegele es escritora bilingüe. Escribe en inglés y en español, y ha incursionado en la literatura dirigida a distintos públicos, desde niños y jóvenes hasta lectores adultos. Su creatividad, por tanto, no se restringe al espacio del lienzo: también se expande hacia la palabra y la narración.

Su formación artística no siguió el camino académico tradicional. Bárbara es, esencialmente, una artista autodidacta. Sin embargo, lejos de ser una limitación, esta condición parece haber fortalecido su libertad creativa. Su aprendizaje surge de la observación, la experiencia vital y el impulso natural de crear. En su caso, la vida misma se convierte en escuela y laboratorio artístico.

Esa filosofía se refleja también en su proyecto personal y familiar: es propietaria del restaurante Dimitris, un lugar muy particular ubicado en el cantón de El Guarco. Allí, Bárbara no solo recibe a los visitantes, sino que ha transformado el espacio en una extensión de su mundo creativo. El restaurante sorprende por su decoración —realizada en gran parte con sus propias obras— y por su atmósfera cálida y rústica que evoca el espíritu del oeste. Rodeado de naturaleza, caballerizas y áreas dedicadas al cuidado de cabras, el lugar refleja una forma de vida profundamente conectada con la tierra, la familia y la libertad personal.

Durante su adolescencia vivió en Texas, donde cursó la educación secundaria. Allí también tuvo la oportunidad de tomar cursos de arte. Según recuerda, en esas clases “te enseñaban técnicas, y a partir de cierto grado seleccionaban a algunos estudiantes para exhibir sus obras”. Fue precisamente en ese contexto cuando algunas de sus piezas fueron elegidas para exhibirse en el famoso Houston Livestock Show and Rodeo, una experiencia que marcaría sus primeros pasos públicos en el mundo del arte.

En la exposición de 2019 presentó una obra particularmente significativa inspirada en la reserva de los indígenas sioux en South Dakota. Sobre esa pieza, la artista comentó:

“Es un cuadro muy importante porque estuvo en un punto histórico muy especial de mi vida”.

El concepto que da nombre a la exposición también encierra una metáfora personal y espiritual. Para Bárbara, las wildflowers —las flores silvestres— representan algo más que un motivo estético:

“Cuando pienso en wildflowers o en flores silvestres, pienso en todas esas personas que aman y se rodean de cosas simples; personas que albergan una energía especial y una gran creatividad”.

Su obra también se adentra en el retrato de figuras que marcaron distintas épocas en la cultura popular. Personajes del cine, la música o la literatura aparecen reinterpretados en sus cuadros, como escenas detenidas en el tiempo que evocan momentos decisivos en la historia cultural.

El conjunto de su trabajo revela una riqueza visual y simbólica notable. En sus pinturas se percibe una atmósfera de quietud, pero también una profundidad emocional que remite a la experiencia humana: la memoria, la identidad, la naturaleza y la libertad.

La obra de Bárbara Montero Siegele transmite, en última instancia, una sensación de trascendencia serena. Sus piezas no buscan el estruendo de lo espectacular; más bien invitan a una contemplación pausada, donde la belleza surge de lo esencial. En ese sentido, cada cuadro parece funcionar como una pequeña ventana hacia un mundo interior en el que arte y vida se encuentran profundamente entrelazados.

"Arnoldo Herrera", por Laureano Albán (junio 1992)

Arnoldo es una treta contra el olvido.

Una insistencia azul. Un poco de ceniza

humana, humana, con alas que sabemos

y no vemos. Un día con lluvia y sol

que se ha tornado hombre para venir a hablar

de profecías, de cosas perfectísimas,

de ausencias que se que se pagan con monedas de sangre,

de impertinencias claras como ángeles,

de luchas que no son ya de este mundo

pero que hacen falta cuando abrimos la puerta

y vemos los muchachos subir hacia la vida

convertidos en números de olvido.

Arnoldo Herrera es una treta, amigos.

Un maestro con nieves lejanas en los ojos.

Un maestro con tantas heridas en los ojos.

Un maestro, sin señas. como son los que solo

vinieron a este mundo para soñar las vidas.

Siempre que me lo encuentro me parece que alguien 

lo puso aquí entre todos para armar el escándalo

de la luz sobre el mundo . Y siempre me parece

que tuviera un incendio en cada mano.

Un pájaro incendiado en cada mano.

Una noche incendiada en cada mano.

Un mundo que no quiere extinguirse

y que trata en sus manos de arder soñando siempre.

Si alguien me pidiera un nombre para Arnoldo

yo le diría: Camino. Quizás porque lo he visto,

igual que los caminos siempre aquí y siempre allá, 

siempre detrás de un cielo,

siempre con algo, algo de polvo en la mirada, 

siempre dejando que alguien sobre él busque mundos.

Los hombres se parecen a la niebla.

Llegan un día y ocupan un espacio del cielo.

Se extienden sobre el tiempo

transparentes u opacos buscando lejanías.

Nimban de magia el mundo

o de sombras el prado de la vida.

Empapan de rocío las flores sorprendidas del silencio

o abogan lentamente toda la luz del mundo.

Y un día un viento recio viene de la nada

los disipa de pronto demasiado fugaces. 

Los hombres se parecen a la niebla...

Y Arnoldo es una niebla con sol, con golondrinas,

con muchachos, muchachas, que aprenden a fundir

números y poesías, música y espejismos, 

química y regocijos. Es un maestro que sabe 

la ceguera que nadie puede evitar, el tiempo.

Es un maestro que sabe la lucidez que nadie 

debe evitar: amar largamente la vida, 

vaticinando el mar que surge de las esquinas,

demostrando el teorema de la paz de la tierra,

la parábola agreste del pájaro en los ojos, 

la elíptica extasiada de los vuelos del mundo,

el asombro que sabe reinventar los caminos. 

Pero ante todo Arnoldo es un muchacho necio, 

insistente, terrible, que golpea ventanas

con los inmensos párpados de la luz que le basta.

Y que suele pedir insatisfecho, eterno,

un poco de canción para enseñarla al mundo.

Y que asusta burócratas en las tardes sombrías.

Y que asombra políticos con un río de fuego.

Y que inventa poetas en las aulas de trigo.

Y que aunque lo veamos muy vestido en su traje

sobrio como el invierno, es un muchacho necio

con pantalones cortos, mirando golondrinas

en complicados cielos, que corre por el campo

de la vida gritando, o cantando, o soñando...

Pero siempre un muchacho con los dedos azules,

olfateando procaz los prados desnudísimos,

detrás de cada estrella que le debe la vida. 

Aguas superficiales...

Brote feroz de nubes y espuma.
El sol arde, tatuado en el traje azul
del mar convulso.
La arena se amontona en una de las últimas olas,
revienta y esta atraviesa mis ojos.

Solo se sobrevive
en el centro exacto
de un día en flor.

ehc

César Valverde: la mujer en su obra

 

Oh Musa Impertérrita (2011), de Dionisio Cabal Antillón a Yolanda Oreamuno

                                 

                     https://www.youtube.com/watch?v=hvGYof0Hlpo 

 

Ciertamente que yo no vengo con ditirambos a cantar 
ni a hacer endechas de figura 
con claro acento nacional 

Yo que no veo la diferencia
entre un buen maicero y boscán 
ni me pierdo por la culta Europa despreciando
a Calufa y Fabián 

Pregunto porqué nos convoca al entorno de su oquedad 
una mujer que así de pronto 
les rompe su espejo y se va 
¿que podríamos ahora decirte que tenga sentido y verdad?
en vez de lavarnos la culpa con flores, papel y metal 

Cuando emprendiste tu ruta 
no todos te vieron volar 
los cerdos no alzan la cabeza ni miran la estrella solar 

Yolanda, al menos supiste evadir, revertir, remontar 
haciéndote impulso del viento, transida de la libertad  

Pero a nadie se le ha hecho fácil 
poder comprender, alcanzar 
el canon brutal inhumano, 
monstruoso de este orden social

Al huir de la cueva del bruto 
¿cuál ruta te podría salvar? 
si el Virilla, el Sena o el Hudson 
nos arrastran al mar patriarcal 

Que no te dijeron no viste 
no estaba tu calle desierta 
más de100 mujeres calaban del claustro rompiendo
las puertas  

Que las cosas costarricenses
no estaban tan costarrisibles 
las mujeres del barro parían 
fulgores de cosas sensibles
cuando se afina el machismo 
oh mujeres sabias y hermosas envolviendo cruentas
cadenas en ramos de saliva y rosas 

Hay quienes no entienden no aceptan 
que la hembra se sepa cierva y desborde la noche
del miedo para ser de luz y Minerva  

Pregunto porqué nos convoca al
entorno de su entereza 
esta mujer que así de pronto
derrota la muerte y regresa  

Estamos los que te coronan los curiosos ojos que se
asoman 
estamos Yolanda en persona los
que piden perdón y
perdonan 
estamos los que nos marchamos, estamos los que nos
quedamos 
estamos los que regresamos y los que jamás te
importamos, estamos los que se evadieron
estamos los que se murieron, estamos los que se perdieron y
estamos los que revivieron  

Estamos Yolanda los muertos los vivos mínimos y
superlativos 
el ajeno y el propio nativo 
estamos Yolanda los mismos.

 

Dionisio Cabal Antillón, amigo del alma, falleció el 20 de octubre de 2021 a la edad de 67 años.

 

Madrid, Valencia, Barcelona y Santiago de Compostela, cautivan, enamoran (1), 2023

"Madrid se estableció en un terreno plagado de aguas subterráneas, con abundantes pozo y arroyos (muchos de los cuales se conservan aún), De hecho, en uno de los blasones más antiguos de la capital, figura la leyenda: "Fui sobre agua edificada, mis muros de fuego son, esta es mi insignia y blasón", del que hablaré en otra ocasión". 

 

Dos siglos de influencia musulmana y ocho cristiana, hizo de su arquitectura fiel y precioso reflejo de su historia.  

Poesía, música y algo más, un siglo atrás

Te conocí a la sombra y al fuego; más bien te escuché antes de conocerte. Yo estaba detrás del pino, distraído, charlando con amigos, pero con la mente en alguna lejanía o en alguna de esas ocurrencias que a menudo logran una ocupación casi total de mi mente. Pero en todo caso, recuerdo con claridad que andaba con una profunda hoquedad en el pecho; tan grande, que de no haberte mirado se habría instalado allí, como solía ocurrirme. Realmente me estaba sintiendo mal como cuando uno sabe si lo que quiere es reír o llorar. No sé si lo había descubierto en esos días, pero lo cierto es que a mis treinta seis años me vine a dar cuenta de que el amor es indispensable en mi vida, pero el amor en llamas, en brasas, en vino, adobado con guitarras y poemas; amor heroico, sensual, libre, mezcla de cielo y de tierra. Amor en cataratas, huracanes, perfumados de tiempo y de vida.Amor gitano,con embrujo y con magia, que pueda juntar en algún sitio impensable del tiempo el ayer, hoy y mañana. Amor, pero el amor verdadero.

Así buscando estrellas, te escuché reír. ¡Qué risa! Un kindergarden entero comprimido en una voz. Algo tenía que provenir de un rostro bello, de un cuerpo hermoso y abundante. Una larga cabellera desbordada en un pullover a rayas fue todo lo que logré ver entre la gente, el rumor, el humo y la sombra. Pero intuí tu belleza. Intuí el amor en la interioridad de aquella figura que se alejaba lentamente hacia otro grupo de invitados. Luego me enteré de lo demás. Sin ningún pudor, con la fruición de un viejo minero pregunté quién eras, qué hacías... de todo. Como un felino al acecho me acerqué al grupo. Te pude mirar el rostro, descubrir tu sonrisa, escuchar tu voz. Luego te estreché la mano, o te besé en la mejilla. No recuerdo. Ahí empezó este loco amor que me tiene aquí en los andes peruanos, buscando cumbres, en un intento inútil de mirar al otro lado del mar. Este es un sitio raro del planeta. La aracaunia de Neruda se oye aquí más clara. El lamento del indio, siglos de dolor, se convierte en piedra y ruinas, para testimoniar la grandeza de ayer. Los cóndores lo vieron todo. En las alturas, con el aire enrarecido, se escapan los espíritus a volar por las moradas del pensamiento. Y yo quiero volar con los cóndores y escuchar con las quenas, nostalgia y ternura del altiplano y de la sierra, un canto al amor y a la vida. Quiero verte de nuevo y que vengas aquí conmigo a preguntarle al indio o a la piedra vieja, al aire y al cóndor ¿si esto que estoy sintiendo no es mezcla de cielo y tierra? ¿si esto que estoy sintiendo no es amor verdadero?

Omar Cota 

                                                             Del olvido no me acuerdo  

 

Soy un hombre más, caminante sin destino

solo eso; caminante

Yo mismo marco mi ruta

y solo sueños me retrasan en llegar, pero sigo y llegaré

¿Qué me espera?

No lo sé, y no importa.

Lo que me importa es que me espera

Es un sueño de mi mente la existencia, 

soy yo mismo quien me espera

me miro transitar por el camino, camino mío.

Soy un hombre más, caminante sin destino.

Solo juro, llegaré.

24/2/80 

 

Hablé porque recordé lo escrito sobre “El entomólogo’ (óleo sobre tela) de don Enrique Echandi, hace una semana, en el Taller de apreciación de poesía que nos da Alfredo Trejos. 

Fue para el Semanario Universidad (15/02/1985) a mis 23 años.

 

 

Esta madrugada de desvelo lo encontré en el repositorio del SIBDI-UCR.

 

 

El entomólogo (Sfch), óleo sobre tela de don Enrique Echandi

                                           

                                        Para tí que soy río (LEMG)

                                              https://www.youtube.com/watch?v=wv_8O1IC_80

  

Años 80, encuentro con los graduados 78´, del Conservatorio Castella

Orígenes del Castella: Juan Fernando Cerdas "A través del arte los criterios de evaluación varían, la autoestima se puede fomentar de otra manera al igual que la capacidad creativa".

 Tomada de la Revista UNA

Entré al Castella en el año 1958 a tercer grado, no porque me interesaba la actividad artística. Mis papás habían regresado de Guatemala donde habían ido a pasar el exilio después de la guerra de 1948. Entonces resultó que apareció un particular colegio -pequeño, que estaba comenzando, con muy poca gente, con un tipo que tenía una mentalidad muy distinta a la tradicional de la educación de aquella época. 

En ese Castella entré, luego de haber hecho primero y segundo grado en Nicoya, y me sentía un poco perdido porque, además, se ubicaba en la otra punta de la ciudad, no era tan relargo, pero yo estaba muy chiquitillo y mi familia vivía allá por Plaza Víquez y el Castella estaba en la Sabana, era en "el quinto del diablo". 

En el Castella me sentía de todas formas como en familia, porque efectivamente había familia mía, los hijos de Manuel Mora, los hijos de Eduardo Mora, y otros hijos de camaradas como las hijas de Fabián Dobles, y los hijos de "Menchita" Valerín: Diriangén y Rusalka Rodríguez; éramos los hijos de los comunistas; también la hija adoptiva de Carlos Luis Fallas "Calufa": Rosibel Morera. Esos éramos los rojillos que estábamos ahí. Don Arnoldo había creado un clima de tolerancia y de apertura que nos permitía estar ahí, tranquilamente. 

A pesar de que en mi familia había cierta actividad artística, mi abuelo José Albertazzi era poeta, mi mamá sí nos impulsaba un poco a la actividad artística: me llevaba a ver teatro, nos llevaba a conciertos (a mis hermanas también). Entonces, ya estando ahí, en el Castella, efectivamente me comencé a meter en la actividad teatral, en la actividad literaria, en la musical también, pues era obligatorio para todos aprender algo de música; y bueno, pude explorar un montón de actividades artísticas. 

Cuando yo entré fue a tercer grado y el grado más alto era de quinto; nosotros éramos el tercer nivel, estaba el grupo más avanzado que era el grupo donde estaban: Julián Wenston, Diriangén Rodríguez, Amelia Barquero. Después otro grupo en el que entró William Zúñiga, estaba también Manuel Picado, Rosibel Morera; y el grupo de nosotros, que era el tercero. En ese momento, el Castella era solo una casita pequeña que quedaba ahí en el costado norte de la Sabana, en donde está el Teatro ahora; no existía nada, era un patio que la casa tenía como herradura, la casa estaba alrededor del patio, y yo recuerdo cuando se comenzó a construir el teatro, los papás de nosotros iban a trabajar los fines de semana a paliar y a hacer el foso en donde iba a estar el escenario y toda esa cuestión. Por esa época, el Castella era muy pequeño, éramos todos muy pocos, los grupos eran pequeñitos, estoy hablando de un momento donde solo había tres niveles. En el Castella me acuerdo que ni siquiera tenían cubiertos para darnos de comer, cada uno de nosotros tenía que ir con su plato, su vaso y sus cubiertos para comer, todavía me acuerdo del plato que yo tenía. 

Por esa época también se hacían muchas giras por el interior del país, eso también le daba una imagen, una proyección a la actividad artística, era muy importante porque nos catapultaba como institución y además nos fortalecía a nosotros la idea que podíamos algún día dedicarnos al arte, estamos hablando de una Costa Rica en donde todavía no existía el Ministerio de Cultura; es importante decir que las generaciones siguientes se encuentran las cosas hechas y no son conscientes del esfuerzo particular que hubo para que las cuestiones se desarrollaran, Don Arnoldo fue divo en eso, en ese desarrollo del país. Lo que existía en vez del Ministerio de Cultura era Artes y Letras, que era una dependencia del Ministerio de Educación, recuerdo que Felo García era muy amigo de Don Arnoldo y muy amigo del Castella, Don Arnoldo se tenía una especie como de círculo de amigos del Castella, en donde había cantidad de gente que Don Arnoldo enganchaba y los traía a apoyar. Bueno, Felo hizo el mural ese del Teatro. El Castella tenía mucha vinculación con Artes y Letras, entonces era el primer organismo estatal dedicado a la cuestión artística, y el Castella era la Institución educativa dedicada al arte por excelencia, única en aquel momento, no es que no hubiera actividades artísticas en otras instituciones, las habían, pero en el Castella, era su énfasis. 

El Pájaro Azul fue hecho, creo, en el 59, porque yo estaba recién entrado al Castella y no participé en ese montaje, estaba muy nuevo; recuerdo que Amelia Barquero estaba participando. Esas cosas tenía el Castella, que nosotros hacíamos un tipo de espectáculo o de obras que se convertían en trabajo institucional, todo giraba en torno a eso, y eso es una buena manera de hacer crecer el asunto, porque eran todos los niveles integrados participando. Interdisciplinario, interniveles, eso tiende mucho a estas nuevas concepciones de un pensamiento holístico integrado. La educación tradicional basada en el paradigma cartesiano lo que hacía era dividir las materias, ponerlas todas separadas, fragmentadas, como si el conocimiento fuera una suma de cosas con ese tipo de actividades que se hacían.

También participaban muchas gentes de fuera, de otros países, que pasaban por aquí, por ejemplo Ulises Estrella y Sergio Román que llegaron juntos del Ecuador, Río Dalindo, Jaime Da Silva, y un coreógrafo brasileño que esta en esa época por aquí.

Yo venía de una escuelita rural, una escuela convencional de Nicoya, y de pronto estaba en el Castella colocado en una serie de procesos artísticos, ahora pensado a la distancia me doy cuenta que las proyecciones de Don Arnoldo con la Institución que estaban consiguiendo, iban mucho mas allá de lo que era un logro posible con las condiciones educativas. Digo esto porque para nosotros todavía, en la época que yo estaba, las materias eran académicas en la mañana y después del almuerzo comenzaban las artísticas; de pronto se trasgredía el horario porque había una presentación entonces suspendían las académicas para hacer arte, por eso yo me imagino que también era una obligación que tendría que tener Don Arnoldo frente a las autoridades educativas del país como para decir "si si, hacemos arte pero no solo eso sino que también damos una porción sustantiva del día a la actividad académica"; es decir, todavía se consideraba el arte un lujo espiritual, o una pérdida del tiempo dedicarse a esta cuestión. En realidad nunca se pudo llegar a la concepción de que el arte es una de las materias centrales de la formación de todos los seres humanos, de la misma manera en que se considera que todo el mundo tiene que aprender matemática, todo el mundo debería poder aprender arte, no solamente para hacer arte, sino que es que a través del ejercicio uno aprende una serie de cosas, por ejemplo los criterios de evaluación varían, la autoestima se puede fomentar de otra manera al igual que la capacidad creativa.

El Castella es un hito fundamental sobre todo porque no creo que se pueda valorar fácilmente, digamos, en calidad, los resultados artísticos que se obtuvieran y eso, lo que sí es decisivo es que aseguró el derecho a la existencia de la educación artística en un momento en el cual la actividad artística en Costa Rica era una cosa reducida. Aceleró el proceso, fue un catalizador y definitivamente hay nombres sustanciales en todas las ramas artísticas. El Castella podría haber sido un Zamorano de la Cultura, o podría haber sido un semillero de otro conjunto de instituciones similares; la cuestión de cimentar la experiencia, de lo que puede significar enseñar a través de la actividad artística, porque a través de la actividad artística uno puede aprender matemáticas, física, un montón de cosas. Y eso, yo creo, es una óptica que no está siendo aceptada en ninguna parte. No existe ningún sitio en el país que sea prescindible a las artes, por todo el país deberían existir experiencias de este tipo.

Lo que hay que hacer con la experiencia de Don Arnoldo es recuperarla en su espíritu y mejorarla en las condiciones que va adquiriendo el país. 

Orígenes del Castella: Una mirada sobre la grandeza de don Arnoldo, en la voz del Poeta Osvaldo Sauma.

 Desde esa vieja banca que aún permanece en los pasillos de la dirección, Don Arnoldo contemplaba la magnitud de su sueño. Era usual verlo atisbar la tarde como quien mira más allá de lo vivido y sabe que sus visiones serán realidades futuras. Yo fui testigo de las visiones de este visionario y tuve la dicha de sentarme junto a él a platicar los pormenores de su sueño, que él anotaba en nuestra alma con habilidades de calígrafo para que no olvidáramos que todo sueño debe crecer incluso más allá de sus propios límites. Y es que no en vano, este hombre ilustre e insólito, de un país pequeño, logró cristalizar, como nadie en el mundo un colegio integral, es decir, un vivero de grandes artistas.

A veces me lo imagino con su idea fija en el corazón, atravesando las calles del Distrito Federal, alimentándose de lo que México le daba para aumentar así los andamios de su ilusión, por lo que atravesaba México en la década del cuarenta, el arte mexicano fue fundamental para el arte latinoamericano como lo fue para Arnoldo Herrera González, pues ahí estaban los grandes muralistas Siqueiros, Orozco, Rivera; los grandes compositores Revueltas y Chaves (de este último don Arnoldo no solo fue su discípulo sino su asistente), los poetas Paz y Neruda, las grandes pintoras Frida, María Izquierdo y nuestras dos grandes madres tutelares Yolanda Oreamuno y Eunice Odio. Lara se escuchaba por todas las esquinas y el cine mexicano pasaba por su época de oro.

Toda esa efervescencia cultural contribuyó a develar el espíritu del maestro. Fueron los tiempos del Café París donde solían reunirse los grandes artistas del momento y es de suponer que sus pláticas en ese café con León Felipe, uno de los poetas exiliados españoles con el que sostuvo amistad, versaban en parte sobre ese sueño de crear un colegio donde los niños tuvieran aparte de la educación formal una educación artística, que los ayudara a despertar un interés vivo por el arte y por la vida. Porque quién cree, crea y el que crea, crece, supongo que le decía al poeta y también aquello de que en su escuela cada niño tendría el pan del tamaño de su hambre y el zapato a la medida de su pie. 

Quizá por eso me atrevo a afirmar, que si bien es cierto que desde niño don Arnoldo manifestó ese deseo de crear, inspirado en la idea de su madre, un modelo pedagógico nuevo, una alianza entre lo académico y artístico y donde más tomó cuerpo esa obsesión fue en los nueve años que permaneció en México como director de orquesta, compositor de música para cine y como director del coro de Bellas Artes, Época particular llena de figuras relevantes, que sin duda inspiraron, formaron y fortalecieron a nuestro querido maestro, pues esa experiencia fuera de su tierra será el detonante para que a su regreso materialice este magnífico sueño que hoy todos gozamos. Legado del que somos depositarios cada uno de los que conformamos la familia Castella, pues el sueño no ha terminado; desde su discurso inaugural hasta las conversaciones en esa banca cálida donde solía sentarse, desde ahí, nos alentaba a ramificarlo, a soñar con una universidad Castella que acogiera a los alumnos que querían seguir en las artes o bien crear albergues para artistas extranjeros que vinieran a dar talleres a profesores y alumnos de nuestro país, o bien crear centros educativos integrales en provincias como Limón y Guanacaste.

Sí, este soñador incorregible, hacedor de utopías nunca dejó de soñar su sueño, nunca dejó de proyectar sus visiones pues era arquitecto de un modelo que en principio fue utopía y él supo hacerlo realidad. Por eso no temía expander, en un mundo cada día más hostil, sus hombres felices, esos que aspiran a SER sin subordinarse a esa necia idea de poseer objetos materiales a fin de poder SER.