Inspirada en Out of Africa, novela autobiográfica de Karen Blixen. This world behind the river is the best we have in our lifes. 

Tan hermoso, como todo en mi terruño Costarrica. Despertar con esta vista un día, bello.

¡Vía del Poeta, del agua, el color y la belleza!

El poeta eres tú

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Flannery O'Connor

Deep South, y la pluma profunda de O’Connor

Publicado el marzo 4, 2014 0

Selección por Erika Henchoz

erikahenchoz@gmail.com

El  estado sureño de Georgia nos remite a una legítima herencia histórica y cultural, a la doctrina de los derechos de los estados,  de la Confederación durante la Guerra Civil Estadounidense. Este sur del norte americano fue historia viva del movimiento de los derechos civiles de la población negra.  En Georgia  se pronunció  el discurso, en 1895 de Booker T. Washington, conocido como el ‘Compromiso de Atlanta’, en el que propugnaba la igualdad política y social para la población negra a cambio de seguridad económica.

El sur también nos transporta a una de las novelistas, cuentistas y ensayistas más respetadas y recordadas de Norteamérica, no obstante haber muerto a los 39 años por motivo de la enfermedad de  lupus, que acabó también con la vida de su padre, cuando ella era una adolescente.  Se dice que de no haber sido por la temprana muerte  de Flannery, “estaríamos hablando seguramente de la más brillante narradora norteamericana de la historia”.

Dos novelas, decenas de cuentos, cartas y ensayos llevan la estampa  O’Connor. Posee, sin duda, una pluma profunda que se delata cuando hurga en el comportamiento humano (sarcástico y exagerado). Nacida un 25 de marzo de 1925 y fallecida un 3 de agosto de 1964.

Ella, tan devota de la catolicidad, contrasta  en su espíritu con el tratamiento de su obra literaria. Como lo dijo la Revista Ñ hace un año en que le publicaron unas oraciones a O’Connor:“… Si sólo hubiéramos leído superficialmente su primera novela, Sangre sabia (1952) y algunos de sus cuentos, podríamos haber esperado un encuentro con un personaje sombrío y morboso; tal vez un alcohólico, antisocial y anárquico. El mundo literario de Flannery  O’Connor está poblado por freaks, como un predicador ateo que crea una “iglesia de Cristo sin Cristo”; un asesino nihilista de los campos rurales de Georgia; un vendedor itinerante de biblias que seduce a una mujer con una pierna ortopédica de madera (en su biblia, que es hueca, guarda naipes pornográficos, whisky y condónes…)”.

Y desde el escritorio de quien escribe, asalta a la memoria aquellas palabras rotundas: I said just an old sweet song, keeps Georgia on my mind, que cantó Ray Charles.

Wise blood o Sangre sabia constata esa temática dura, “es la historia de un predicador traumatizado, que se auto mutila y queda ciego, además de ser luego asesinado, lo que genera un escándalo. La buena acogida que el público norteamericano deparó a esta novela propició que, casi cuarenta años después de su publicación (y al cabo de quince años de la muerte de la propia O’Connor), el gran cineasta John Huston filmara una espléndida versión cinematográfica de Sangre sabia, enriquecida con la banda sonora del compositor estadounidense Alex North”.“Su siguiente novela, titulada Los profetas (1960), prosiguió indagando por la misma senda de religión y misterio que había abierto con Sangre sabia. Sin embargo, ya por aquellos años Flannery O’Connor se había revelado además, como una consumada autora de relatos, género en el que, a los ingredientes temáticos propios de sus narraciones extensas, añadió una curiosa fascinación por lo grotesco, por la presentación de incongruencias extremas en la psicología de sus personajes y en el espacio en que se mueven”.

Dice la autora al respecto:

El hecho es que cualquier persona que haya sobrevivido a su infancia tiene suficiente información sobre la vida para que le dure hasta el fin de sus días. Si no puedes armar algo con poca experiencia no es probable que lo puedas hacer con mucha experiencia. El quehacer del escritor es contemplar la experiencia, no fundirse con ella.”

Revista Ñ apunta en su artículo  del 2013, “en su literatura se juegan cuestiones ligadas a los misterios religiosos centrales: la salvación, la redención y la gracia.

Legado

Antes de ser escritora quiso ser historietista. Su vida tranquila e idílica  se destruyó cuando su padre murió de lupus en 1941. Flannery tenía 15 años. “Diez años después, en 1951, le diagnosticaron la misma enfermedad, de la que finalmente murió en 1964”.  Algunos críticos se atreven comparar su legado escrito con  Kafka, Van Gogh y Keats.

Las lecturas de grandes autores que logró hacer nuestra Escritora del Mes,  comenzó hasta que fue a la escuela de Posgrado, y entonces empezó a escribir al mismo tiempo. “Cuando entré a Lowa nunca había oído hablar de Faulkner, Kafka, Joyce, mucho menos los había leído. Pero en ese momento me puse a leer todo al mismo tiempo, tanto es así que no creo que haya sido influida por un solo autor.”

Sus letras se agolpan con su resquebrajada salud. En 1946 fue aceptada en el prestigioso Máster de Creación Literaria de la Universidad de Iowa; y es allí donde O’Connor presentó sus primeros cuentos como tesis final.“En este tiempo había empezado a trabajar en Wise Blood, que obtuvo en esa fase de elaboración previa el premio Rinehart. Consiguió entonces una beca para trabajar en la elaboración final de esta novela en la colonia de escritores de Yaddo, donde conoció al poeta Robert Lowell; más adelante, ante los problemas que surgieron allí, se trasladó a vivir a Nueva York; allí, en 1949, conoció a Robert Fitzgerald (traductor de Edipo rey, la Ilíada y la Odisea), y aceptó de éste y de su mujer, Sally, una invitación para vivir con ellos en su casa en el campo, en Connecticut. Estos amigos se encargaron de editar algunas de sus obras a su muerte”, apuntan sus biógrafos.

Una de las primeras  recopilaciones de relatos, presentada bajo el título de A Good Man is Hard to Find (Un hombre bueno es difícil de encontrar), se publica en 1955. Posteriormente, Flannery O’Connor siguió escribiendo otros cuentos que se publicaron en el volumen póstumo Las dulzuras del hogar (1965).

Enferma, se trasladó a los campos de su infancia, en una finca  llamada Andalucia, de cuya administración se encargó su madre. Al tiempo que escribía, continuó con su afición a la cría de aves, especialmente pavos reales, pero también gansos, patos y cualquier ave exótica que pudiera conseguir.

Pepe Rodríguez nos remite a una de sus obras que contienen un poco de todo, Misterio y maneras.“Una cosa son las novelas y los relatos y otra bien diferente los ensayos, las conferencias y las reflexiones de la autora. Misterio y maneras contiene un poco de todo, desde un manual de crianza de pavos a un curso intensivo de escritura de relatos pasando por diferentes opiniones sobre oficio de escribir en general, en el sur de EEUU en particular y siendo creyente más concretamente todavía”.“Sorprendentemente frescos estos textos con más de medio siglo demuestran el punto de vista que ella tenía sobre aquello que se le daba bien, “escribir”, enmarcándolo en la historia previa norteamericana, en la contemporánea de ella y alcanzando a profetizar muchos de los vicios que encontramos en la literatura actual”.

Al final de uno de sus comentarios, Rodríguez apunta de ella:“Fue común en ella recibir visitas, y numerosas, de amigos y admiradores. Su relación epistolar con algunos de ellos fue recogida en El hábito de ser. Este libro “ le permitió una red de relaciones que compaginó con algunos viajes puntuales, sobre todo a universidades. Sólo salió al extranjero en un viaje que hizo por Europa, pasando por Roma, Lourdes y Barcelona”.

http://www.youtube.com/watch?v=acj28GOkYl4

Ajá!  Con Fidel Gamboa, bravísimo: 

Zhivago catapultó a Boris Pasternak a la fama

Publicado el febrero 4, 2014 , Publicado en Escritor del Mes 0

Por Erika Henchoz

 erikahenchoz@literofilia.com
Una sola novela excelsa, convulsa e idílica fue suficiente para que en 1958 se le otorgara el Nobel de Literatura al poeta ruso Boris Pasterak. Un premio retirado por su hijo Evguene 30 años después por enredos políticos en la era estalinista.
Nacido un 10 de febrero de 1890, “sus poemas también revelaban una nueva estética basada especialmente en inusuales asociaciones de imágenes y en una mirada filosófica a la naturaleza y la historia. Pasternak se consagra en Rusia como un gran poeta,  un ‘magnífico’ poeta. No obstante, los críticos literarios de la Rusia comunista le censuraron sus libros al colmo de que solo pudiera publicar  dos colecciones de poemas, En trenes de la mañana (1943) y La vastedad terrestre (1945)”, cuentan sus biógrafos.
Boris Pasternak padeció, como otros, los años de la dictadura estalinista. Lo mismo le sucedió Anna Ajmátova y Marina Tsvietáieva. A Gumiliov lo fusilaron, y Osip Mandelstam fue recluido en un “campo de trabajo” en las afueras de Vladivostok, Siberia. Allí muere y le entierran en una fosa común.
Cuentan que la hermosa obra novelada de Pasternak, Doctor Zhivago, publicada en 1957 en Italia, fue rechazada de plano por las casas editoras rusas ‘por su velada crítica al comunismo’. Internacionalmente, no obstante, la novela mereció un gran reconocimiento, tanto, que se tradujo a no menos de 30 idiomas y se adaptó magistralmente al cine.
“El doctor Zhivago es, ante todo, la novela de un poeta que pone a prueba los límites del género para hablar de todo aquello que convulsiona el alma humana: amor, ideología, historia, religión, naturaleza”, dice Marta Rebón, una de sus  traductoras que se adentró  en los avatares de Yuri Zhivago en aquella desgarradora Rusia. Para Rebón un mensaje emerge nítido del libro: “En tiempos calamitosos de guerras y bandos, la poesía siempre triunfa por encima de todo”, publicó El País, en el 2010.

Evgene, su hijo, le representa

El 12 de noviembre del 2010,  escritores y editores madrileños vivieron un momento especial  cuando recibieron a  Evgeni Pasternak, hijo primogénito de Boris Paternak, su mujer Elena y su nieta Anastaia  para la presentación  de la nueva traducción al castellano de El doctor Zhivago,  a cargo de Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores con motivo del 50 aniversario de la muerte del autor. Por primera vez, Zhivago fue traducida directamente del ruso.
El País es el medio de comunicación que publica, sobre esta obra maravillosa, las palabras de Alejandro Amenábar:  “Doctor Zhivago es una de las películas que mejor combina la grandiosidad y la épica con momentos íntimos, sentimentales y románticos. Es una historia ambientada en la revolución bolchevique, la guerra civil rusa y la primera contienda mundial. Hay batallas, escenas de acción y grandes movimientos de masas pero su director David Lean siempre supo trasladar al espectador la ternura de una mirada o de una caricia; la belleza de un paisaje nevado; la explosión de la primavera o la sensibilidad que habita en el corazón de Yuri Zhivago”.
“Amenábar pone como ejemplo la brutal carga del ejército zarista contra los manifestantes en las calles de Moscú, una escena que los espectadores sienten en toda su intensidad y crudeza viendo únicamente en primer plano la reacción de Omar Sharif ante tal horror”.
“La novela se publicó en Italia en 1957, como ya se dijo. El productor Carlo Ponti compró los derechos para llevarla al cine pensando en que su mujer, Sophia Loren, interpretara a Lara, la protagonista femenina. Pero David Lean no estaba de acuerdo. Veía a Sophia Loren demasiado alta, latina y sensual y eligió para el papel a una joven y rubia británica que, por entonces, empezaba a despuntar en largometrajes como El soñador rebelde o en series de televisión como El santo. Su nombre, Julie Christie. Para el papel protagonista, el del doctor Zhivago, Lean eligió a Omar Sharif con el que ya había trabajado en Lawrence de Arabia. Fue la película que le convirtió en toda una estrella mundial. Sin embargo, hace unos años, durante una visita a España, Sharif confesaba que Doctor Zhivago no le gustaba del todo porque “es demasiado romántica y sentimental”.
“Doctor Zhivago no pudo rodarse en las nevadas estepas rusas por motivos políticos. David Lean y su equipo buscaron por medio mundo los exteriores necesarios para el rodaje y los encontraron en España, en diversas localidades de Granada y, sobre todo, de Soria. En el barrio de Canillejas de Madrid se alzaron los decorados de una gran avenida que parecían el mismísimo centro de Moscú. España vivía entonces en pleno franquismo y el rodaje de algunas escenas provocó que sucediera algo que parecía imposible: que sonara la Internacional y que se rodaran manifestaciones en favor de la revolución y del comunismo”, anota el diario español.

Entendidos con las beaux-arts

Leonid Pasternak el padre de Boris fue un excelente retratista de muchas figuras como escritores, artistas y cantantes de la época.
Boris creció en un hogar donde la música, la literatura y el arte eran constantes compañeros.
Leonid, su padre, pintó a Tolstoi que visitaba su casa regularmente, fue un amigo asiduo de la familia, Rainier María Rilke,  gentil poeta alemán, Sergei Rachmaninoff, Aleksandr Skriabin,  amigo compositor e ídolo de Boris Pasternak.
Este boceto de un niño sentado a la mesa refleja una imagen usual de Boris escribiendo concentrado por horas, algo usual en él mientras escuchaba música.

Antes de morir, Tolstoi, le dice a Pasternak:

Todo pasará: el dinero, las grandes naciones, incluso los grandes reinos están destinados a desaparecer, lo único que no desaparece es la verdad que encierra el arte porque solo así sobrevivirá el arte.

Muchos amigos escritores de Pasternak fueron víctimas de la revolución:  entre ellos, están también, el destacado poeta Aleksandr Blok, Gorki y otros.
En esa época, Boris se privó de escribir por 20 años, tradujo a Shakespeare, Goethe y Schiller para el Teatro del Arte en Moscú,  bajo la tutela de su director y gran pedagogo Konstantín Stanislavski.
Con la muerte de Stalin, Pasternak comenzó a escribir Doctor Zhivago de forma muy reservada, comentan los documentalistas del escritor. Al terminar la obra sobre Zhivago, novela de muchos amores y personajes,  fue catalogada negativamente por algunos críticos por el hecho de haber sido publicada  primero en Italia y no en Rusia.
Giangiacomo Feltrinelli, apodado Osvaldo, fue el editor de Dr. Zhivago. Este italiano fue un conocido político y activista comunista. En 1954 fundó la exitosa casa editorial Editore, dijo que con Doctor Zhivago, apostaba a una novela maravillosa y la publicó.

David Lean lleva a Zhivago al cine

En un recóndito lugar de Indochina el renombrado director cinematográfico David Lean terminaba un film que le daría la vuelta al mundo. Justo en el desierto de Jordania, filmó Lawrence de Arabia con el actor británico de cine, teatro y televisión Alec Guiness y el novato actor Omar Sharif. Después de Lawrence de Arabia vino esta  otra película cuyo silbido daría la vuelta al mundo, El puente sobre el río Kwai.

Fue allí donde Lean  comenzó a leer Dr. Zhivago y quedó impactado y junto al escritor guionista Robert  Bolt, duraron un año realizando el texto que daría vida gracias a la película de la Metro-Goldwyn-Mayer Inc. Dr Zhivago representa a esos muchos hombres devotos a su familia, a su tierra, a su patria pero sobretodo un hombre que detestaba la violencia, pese a estar destinado a vivir en constante conflicto de guerra.
Lara, el amor que hizo soportable su vida, encarnaba la fe  y la esperanza en la revolución rusa: una guerra civil bárbara cubierta de nieve, una  guerra sin fin.

Premio Nobel de Literatura, ¿Qué paso?

Pasternak ganó y aceptó el Premio Nobel en 1958 pero fue denunciado como traidor por varios grupos comunistas soviéticos, soportando presiones de carácter político y amenazas de expulsión de Rusia tras lo cual, para escapar de los gulags,  anunció públicamente su voluntad de no partir al exilio y desistió del premio.
Doctor Zhivago se publicó por fin en la Unión Soviética en el año 1987, más de treinta años después de su creación. Entre sus restantes trabajos se encuentran la autobiografía Salvoconducto (1931) y un libro de memorias publicado en 1957.
Vargas Llosa dijo de la novela: Es una hermosa creación, nacida del horror y la grandeza de un apocalipsis histórico, que no se explicaría sin él, pero que, a la vez, escapa de él, y lo niega, anteponiéndole algo distinto, un objeto creado que debe todo su ser a la imaginación, al sufrimiento de un artista y a su malabarismo retórico.
“Más contundente en su alabanza es Isaiah Berlin: una de las raras obras que describen el amor de una forma tan auténtica como pocos han sabido hacer”.
Su obra cuenta con los títulos publicados: Días únicos 2013; Doctor Zhivago 1957 (2004); La vastedad terrestre 1945; En trenes de la mañana 1943; El segundo nacimiento 1932; Salvoconducto 1931; Mi hermana, la vida 1922; Por encima de las barreras 1917; El gemelo entre las nubes 1914.
Cierra Zhivago …… No amar es casi un homicidio y no tendría fuerzas para inferir tal golpe a nadie. Muere a los 70 años de edad, en mayo de 1960.

Otros escritores del Mes  http://literofilia.com/?cat=389

Evgeni Pasternak, hijo primogénito de Borís Paternak

BORIS PASTERNAK con MERANI en nuestro día de la Poesía.

Como una flecha vuela el corcel de mis ensueños.
Lúgubre, un cuervo grazna por detrás.
¡Adelante, mi corcel, no pienses nada!
¡Adelante! ¡Dispersa al viento todas tus ideas!
¡Adelante, adelante, ignorando los obstáculos!
A través de torbellinos y granizos, y nieves y tormentas,
debes conservarme los días y los años.
¡Adelante, adelante, sin saber a donde vas!
Que me arranque a los lazos familiares.
No me importa. Si la noche me alcanza en el camino,
la nocturna lejanía posada me dará,
y he de hacerme ciudadano en las estrellas de los cielos.
Me entrego a tu carrera enloquecida;
daré mi confesión al bramido del mar.
¡Adelante, mi corcel, no pienses nada!
¡Adelante! ¡Dispersa al viento todas tus ideas!

Otro poeta parte. Primero Mutis y el domingo 26 de enero 2014, José Emilio Pacheco, con quien tantas noches compartí sus poemas. El amado José Emilio, sencillo, discreto, y de verbo vivo, cotidiano, político y amoroso. También Juan Gelman, quien acabó con aquellos recuerdos groseros.

José Emilio Pacheco, niño inmune a la erosión del tiempo

Tulio H. Demicheli abc_cultura / MADRID

Día 28/01/2014 - 13.11h

Alérgico a la retórica, no hacía falta ser poeta o erudito lector de poesía para disfrutar y crecer con los versos del mexicano

REUTERS

José Emilio Pacheco, en una imagen de archivo

Poeta, traductor, editor, gran animador cultural y muy querido profesor universitario, José Emilio Pacheco (1939-2014) se dio a conocer en 1963 con su poemario «Los elementos de la noche», al que siguió «El reposo del fuego» tres años después.

Ya en esos primeros libros, la escritura del poeta manifestaba con rara y temprana plenitud las constantes de un estilo en el que un sólido conocimiento de la tradición poética –lo mismo clásica que moderna– se alía con la transparencia, en busca de una franca pero no fácil testimonialidad. Alérgico a la retórica, no hacía falta ser poeta o erudito lector de poesía para comprender, es decir: para disfrutar y crecer con sus versos.

Pacheco no sólo miraba hacia las vanguardias europeas (simbolistas, surrealistas) y anglosajonas (Eliot, Beckett), sino también a los poetas y artistas mexicanos e iberoamericanos que se habían sustraído a los grandes dogmatismos de la época, como fueron Borges, los integrantes de «Contemporáneos» y como habrán de ser Alí Chumacero y Octavio Paz, éste último un padre joven –por así decirlo– con quien siempre mantuvo un diálogo intenso que a veces no fue bien avenido, aunque los desacuerdos nunca rompieron los sutiles hilos del afecto –me consta que los dos poetas siempre se quisieron.

Joven de su tiempo

Joven de su tiempo, Pacheco también escuchaba con natural empatía la voz de una juventud por entonces emergente y que se reconocía en la generación «beat» y que se dejaba oír a través del jazz y el rock... una juventud cuyos poetas de cabecera habrán de ser, en México, Efraín Huerta o Jaime Sabines.

En fin, ya en aquellos primeros libros se hacían presentes los temas que habrán de acompañarle durante toda su trayectoria poética: la infancia forjadora de la mirada del hombre, el desasosiego ante una existencia en la que el azar y el absurdo se presentan en cada tirada de dados, y la búsqueda de sentido en los otros, pero cuya conciencia social se halla más cerca de la «tribu» que de la «clase».

Después del inmenso trauma de la matanza de Tlatelolco, ocurrida el 2 de octubre de 1968 poco antes de dar comienzo los Juegos Olímpicos, Pacheco publica «No me preguntes cómo pasa el tiempo», libro en el que se afila el pensamiento, libro de inquisiciones e interrogaciones, donde se ventila cuál ha de ser la función del poeta y de la poesía, y en el que se anuncia otro de sus temas más afines: la erosión del tiempo. Libro que incluye uno de sus poemas más leídos: «Alta traición».

Discurso de madurez

A partir de ahí desarrollará su discurso de madurez en poemarios como «Irás y no volverás» (1973), «Islas a la deriva» (1976) «Desde entonces» (1980), «Los trabajos del mar» (1982), «Miro a la tierra» (1986), «Ciudad de la memoria» (1989) y «El silencio de la luna». «La arena errante» (1999)... Obras en las que para mejor expresar sus temas medulares ha ido incorporando el aforismo, la alegoría y la fábula, y en las que ni el pesimismo ni cierto tono elegiaco jamás han oscurecido la mirada del niño que siempre fue, ha sido y ya será, formulando de nuevo aquella intuición de Woodsworth por la cual «la infancia es la patria del hombre».

Ese niñopoeta además se enfrenta a la erosión de la Naturaleza no ya por la acción del tiempo, categoría humana a fin de cuentas, sino por la poco piadosa acción del hombre.

Por último, hay que señalar que la niñez y la adolescencia enmarcadas en la Ciudad de México también protagonizan la obra narrativa de José Emilio Pacheco en títulos como «El viento distante y otros relatos» (1963), «Morirás lejos» (1967), «El principio del placer» (1972) y «Batallas en el desierto» (1981). El niño y el adolescente crecen en una ciudad que deja de ser lo que fue: la «región más transparente del aire» –en palabras de Alfonso Reyes que darán título a una novela fundamental de Carlos Fuentes– para convertirse no sólo en región irrespirable, sino en centro melancólico de la memoria.

CALUFA, amigo de Antidio Cabal:

Guiño. el grande (y de izquierda pura), CALUFA, nace un 21 de enero. Don Antidio Cabal una tarde me entregó lo que escribió al morir su amigo Carlos Luis Fallas. Es un artículo maravilloso que publicó en la revista venezolana Cultura Universitaria. Él me dejó la Revista como algo muy preciado. Prometo pasar en word "Medallón de CALUFA". "Era un hombre lo más parecido a un hombre", dice jeje, "cuando lo conocí personalmente entendí su radiante celebridad, "era un manojo de hombres ese hombre, y todos se le notaban. El peón, el zapatero, el tractorista ..... Por eso era amado. Popular como un partido de fútbol". Lo antecede otro artículo sobre CALUFA escrito por Carlos Augusto León.